阿拉斯特，或孤独之魂

alaster的新窝位于http://hi.baidu.com/alastor

这次终于申请到了alastor的域名，可是用户名alastor或是alaster都被占用了，不幸……

alaster这个名字的来历其实是颇尴尬的。我本想取shelley第一部成熟长诗（麦布女王是shelley的第一部长诗，可是文笔还显稚嫩，而且……主人公是女的）的名字：alastor, or the solitude of spirit中主人公alastor的名字，可是注册blog的时候发现这个名字被占用了。只好退而求其次，用了普通的英国人名：alaster。而后smth，QQ，war3甚至wow上都用了这个名字以便统一。

说起alastor这首诗，它是1815年雪莱所写作的一首无韵长诗。英文诗和中文诗的韵律讲究是很不相同的，中文诗必须有韵，否则就和（当然是我这么认为）那些80年代的小文青们写的新诗一样沦为不入流的货色。但是英文诗却不同，除了韵之外，很重要的是音步和格律的概念，音步和格律让一首没有韵的诗一样拥有强烈的节奏感和音乐感。而且没有韵的限制，文字更为自由，读起来也相当自然清爽。（我有另一篇文章专门介绍这个方面，下次放上来供各位参考）。

Alastor这首诗的写作时期恰好是Shelley的祖父比希爵士逝世刚刚逝世之后。这时，雪莱父亲帮他偿还了积累的债务并开始给雪莱年金。（雪莱家里本有大量田产，只是为了第一次婚姻，雪莱和家里闹翻）雪莱也结束了贫困的生活，搬到了温莎大公园区居住。生活条件的突然改善使雪莱追去自己理想的道路突然变得平坦，这时，雪莱想用Alastor这首诗来告诫他自己的内容，恰巧也是申请blog时的我所需要警惕的。同雪莱一样，我自己也是一个过于理想主义的人，上大学之后，我更是将注意力集中在自己的个人前途发展上从而忘却了一些纯真的远大志向。Alastor对于我的意义，就是提醒我不能迷失改善社会的目标和对人类的爱，不可迷失在庸俗的个人主义和颓丧的脱世思想之中。

无意中发现baidu开了博客服务了。申请了一个帐号，发现百度搜索支持下的各种资源都很丰富，模板，图片，音乐……而且写css也比较自由，网络速度更是比较快。想把这个blog搬到百度去了……

THU校园网连接Bokee总是非常慢，这给alaster的懒惰找了一个好借口。半年都快过去了，Blog一直没有写。虽然没有什么人关注吧，但考虑到自负才华横溢，学贯文理的Alaster总得拿出些言论，文章见人，总是想着还是得将这个Blog继续下去。尽管不能像月虬阑那样要求自己每年写个10多w字，（maybe that's way he can get offer of Berkley but I can't），也还是尽量利用空闲的时间锻炼一下文笔，历练一下心智，升华一下精神。自从有了教育网直通车的帐户以后，Blog的继续成为了现实。终于有可以在这里分享自己的读书心得，幼稚的思索以及人生奋斗的经历了。

我原来说过，Blog的更新频率也暗示了主人的生存状态。而我现在的目标很简单，做好毕设，有机会发一篇文章，把GT分攒够，跟实验室老师同学以及各位朋友兄弟们增进感情，再巩固一下基础，好好把自己变成一个优质的工科热血青年。

Welcome back，Alaster。

2007年悄然走近，所有人，所有生灵，整个世界都长大了一岁。在此祝愿我和我的朋友们新年能有新希望，新气象，好好的生活，也祝愿所有的人能幸福平安，祝愿世界繁荣，人间充满平和，温馨，欢乐，祝福地球的丰富多彩，宇宙的广博深邃，时间的静静流逝。衷心祝福我，祝福你们，祝福世界~~~祝福2007！

几乎每一次的思想界的革新和激变都会引起艺术界的热烈相应。伴随着现象学在哲学界的横空出世，以及弗洛伊德、萨特等人性学说的创建和流行，新的艺术思路也随之打开。背后的世界，直观的观察以及人的潜意识等概念深刻地影响了20世纪的美学进程。通过寻求新的美学理念和方法来表现人的内心，描述事物的全貌，艺术作品也趋于多元化、多程度的表达主题。毕加索及其开创的立体主义，就是这些近现代艺术中的一员。

立体主义的作品将物体背后的面以折叠、扭曲翻转的方式呈现于画面当中，这将观察点置于一个观察维度非正交的时空。例如，一个立方体在正常的维度下观察最多只能观察到三个面，而艺术家就可以通过直线扭曲等方式来展现背后的三个面。毕加索的《长颈水罐》，《两个女人》等作品就很好地诠释了这一理念。另一方面，不仅在静物和风景的作品中，甚至人像表现也被大量地运用了这一手段，如毕加索的“三角帽”。胡塞尔的现象学强调“直面事实本身”，而立体主义在某种意义上将表现主题更加直观的展现给欣赏者。

事实上，这一美学现象也可以寻求其经典的美学理论渊源。美的难题在于“沟通”：这里的“沟通”指两方面。一方面，创作者与客观物质的沟通，这有两层含义：一是指自然界，艺术家从重获取创作冲动、灵感与素材。另一方面指作品，艺术家从自然界得到的理解与观察又表现为作品。在某种意义上，艺术创作是一种“转述”，柏拉图认为，这种“转述”应尽可能不作改变地传递信息，即所谓艺术是“摹本的摹本”，而事实上，正如康德在《判断力批评》中说到的那样：艺术创作是不可能不在“转述”中带入创作者自身的思考、情感、观念的。沟通的另一方面指的是审美者与作品的沟通。审美的过程和作用是复杂的。朱光潜先生就总结出“移情”“内摹仿”等数种例子。总的来说，这种欣赏是一种将艺术作品同化入自我世界的过程。因此，从最原始的创作冲动和素材到最后的审美体验，经历了客体——主体——客体——主体的历程。康德就注意到这个过程——主客体交互的频繁和直接性，认为：“美是打通天人之际的窍要”。毕加索立体主义，继承和摈弃了这一传统创作链。立体主义企图使客体（原始冲动）——主体（欣赏者）的互动更加真实、丰富、多元。从立体主义发展开去的近现代艺术流派，则有的强调主体到主体之间的直接互动，而且这种互动更多着眼于“情感”、“潜意识”等心理层面，企图直接通过画面影响欣赏者的心理情绪，如格尔尼卡。有的将美感几乎全部寄托于欣赏者对艺术品的理解和再创造。

但是，由于对完整创作链的偏倚或省略，使得传统的创作语言因为局限而被摒弃——这也是胡塞尔语言学影响的一个方面。艺术家们在创作过程中，也就丧失了对艺术品的清晰理解和把握，个别比较偏激的流派艺术家，甚至以无意识的创作为目的。这是与经典的绘画理论——即达芬奇绘画论中所说“好的作品应该建立于艺术家对其清晰理智的完全理解和掌控基础上。”——相违背的。正因为绘画语言的缺失甚至主动放弃，使得近现代作品普遍难以理解和欣赏，造成了鱼目混珠的局面。

三，圣阿戈斯蒂诺在书房（约1490－1494）

《圣阿戈斯蒂诺在书房》是这次文艺复兴艺术展中波提切利的另一幅著作。它的画面更好的诠释了文艺复兴时期艺术家在透视和光线方面的巨大突破。利用透视学，画面左边墙角和拱顶的线条正确的指向一个消失点，成功的营造了纵深效果。透视学，是由布鲁内莱斯基，乌切洛，阿尔贝蒂等人归纳建立的，他们发现近大远小的视觉特点以及消失点，视平线在绘画创作中对立体感创造的价值。正是由于这样的科学观察和科学归纳，引发了绘画界的重大革新，将中世纪象形文字般平面，单调的绘画赋予了更加丰富的技艺，使之能更生动，真实的再现自然和历史。来昂那多·达·芬奇在前人的基础上，写了一篇重点阐释透视学的艺术专论。这篇文章中的透视学方法后来被人称为“来昂那多之窗”。

另外，这副画的人物圣阿戈斯蒂诺，是一位多产的神学家、作家、伊波纳教区主教，同时也是西方最负声望的四大圣师之一，常常是宗教画的描绘对象。

四，戴桂冠青年的半身像

提到文艺复兴艺术，中国人脑海里往往自动浮现的是拉菲尔，米开朗其罗和来昂那多·达芬奇。而一部叫做《忍者神龟》的美国动画帮助我们记住了第四个名字：多那太罗。文艺复兴的艺术家们，在利用新发现的视觉现象在平面艺术中创造出立体效果的同时，也同古代希腊罗马人一样，重视真实生动的雕像的创作。多那太罗无疑是众多雕刻家中的佼佼者。这座半身铜像，和多那太罗后来的名作《大卫》相仿，不仅仅可以从正面欣赏，同时也考虑到了背面，侧面各个角度的视觉效果，且从各个方向观察都有其独特的魅力，这些魅力又共同构成了整座雕像独特的鲜活的神韵。传说多那太罗在雕刻时，总不停的向它的作品呼叫“说话啊，说话啊。”多那太罗的雕刻水平，并不仅仅是“复兴”了罗马希腊时代的艺术水平，更加是丰富和超越了前人所作。1445年，多那太罗所作的帕多瓦的青铜骑像就足以同《马克•奥勒留》一比高低。多那太罗考虑到这座雕像将高置于台基，人们的视线将从下向上观看它，因此他大胆地将头像变形，使之在相应的高度依然保持人物的真实可信。在这里，多纳太罗在雕刻中机智地运用了文艺复兴的两个科学发现：透视学和解剖学。从而准确的计算出合适的变形程度。正如前面所说，文艺复兴，并不仅仅是文艺的复兴，更多的是科学和理智的觉醒，乔托大胆尝试在平面画作中创造出立体图景或者是贝尔尼对光线景深的把握还是多那太罗雕刻时对欣赏视角的考虑，都是对光线，视觉等自然现象运用观察归纳这样的科学手段的结果。

五，素描，女人头像

如果说文艺复兴时期的艺术家们构成了一条璀璨的星河，来昂那多·达·芬奇便是其中最耀眼最闪亮的一颗。他研究解剖学准确的研究了人身体的比例尺度，肌肉构成创作出栩栩如生的人物画像，也总结发展了透视学，丰富了画面的纵深感。他创作的《绘画论》和《蒙那丽莎》一样深刻而富有含义。甚至他在给米兰大公的一封信中还提到他又很多其它特殊的才华，他可以制造乘坐人的飞行器飞跃敌人的城墙，可以制造巨大的战争器械用于攻城略地，甚至懂得先进的冶炼技术。在人们的印象中，他并不仅仅是一名画者，也是一名杰出的文艺理论学家和一名科学家，同时拥有着优美的文笔。另外，他也拥有着惊人的英俊的外表和仪态。

这幅素描被认为是文艺复兴时期最完美的几个女人头像之一，尽管这时来昂那多的艺术还远未成熟，从这幅画的笔触，线条和构图中已经可以看出他扎实的素描功力，杰出的绘画思想和敏锐的审美触觉。在当时的女人像绘画中，人们往往要求女人拥有圣母玛利亚的形象已达到道义上的启示目的。达·芬奇在这副画中极力的描绘了女人低垂的眼睑和温柔的嘴角，从而蕴含了圣母低头笑对怀中基督时展现的巨大母爱和生命喜悦，赋予这个女人形象一层淡淡的圣辉。女人的发髻是当时罗马妇女最流行的形式，瀑布般卷曲散落占据了画面的右上半，愈加的突出了女人面孔的清晰和温婉。

 

在这次文艺复兴艺术展中，还有着其它众多艺术家的佳作，拉菲尔，提香，萨马乔，乔万尼，丰塔纳都是文艺史上里程碑式的重要人物各自为文艺复兴的辉煌贡献了美丽的光芒，限于篇幅所限，无法一一赘述。

文艺复兴时期是欧州文化开始崛起的标志，文艺复兴艺术的繁荣并不仅仅是对古典文化的重新认识与尊重，更是启示了欧洲人以自由，理智战胜中世纪的愚昧，迷信的决心和信心。在更大的程度上，它更像是一道破云而出的巨大光芒，迅速的为欧洲文化带来了新的思想，新的启示和新的光明。自文艺复兴以后，欧洲和全人类，才重新获得了人的尊荣和地位，即将开拓出科学，理性，自由的辉煌文明。

假期刚回北京没多久就带着陈丹青所谓伪经验真经验的沉重思想包袱，瞻仰了之前流传于书籍画册之间的，600年前大师们的作品。这篇早已应该必恭必敬的写成的评论却一直拖到今天，虽然表面上可以推说大师作品震慑了视听以至需要慢慢消化，但事实上自己心里知道：自己是如何的一个惫懒家伙。只好今天补过。
一，圣方济各接受圣痕

乔托被一致认为文艺复兴美术界的第一人，《哀悼基督》就作为他杰出的明证悬挂于帕多瓦阿雷纳礼拜堂，除此之外，作为圣方济会会员的乔托以一系列圣方济格为主题的画作宣示了新绘画时代的到来。这批以记述圣方济各事迹的杰作，拜托了拜占庭美术那种呆滞单一的创作方式，再现了生动的场景。叙事性的文艺作品，尤其是美术作品往往讲究捕捉代表性的瞬间，利用一刻时间来述说一段时间，而乔托在这方面是尤其杰出的。《哀悼基督》，《圣方济各对小鸟说教》，《圣方济格接受圣痕》都捕捉到了最动人的一刹那。另外，在构图和色彩上看，乔托已经具备了文艺复兴绘画的一些基本特质，他摆脱了中世纪美术的刻板平面而发展了画面的纵深方向。他对人物表情举动的捉摸和体现也远远超越了中世纪美术靠一团乱七八糟朦朦胧胧的圣光和圣光前千篇一律的头像。

二，帕拉德和人头马神

听说这次展出有波提切利，刚进馆就恨不得先找到这副再说。虽然早有心理准备，看到时还是被传说中波提切利画的女人脸感动的一塌糊涂。
作为空间艺术的绘画和作为时间艺术的音乐，往往有很多共通的地方。音乐中，往往有很多乐段是需要答案的，它们需要一个确定的和弦来结束。常常有这样的故事，某位作曲家弹了一阵曲子后刷牙洗脸上床，结果觉得心神不宁辗转反侧后，爬起床来敲下几个音符，才心满意足的找到了答案。而典型的波提切利式女性面容也具有这样的特质，这些女人的脸上往往洋溢着古怪的微笑，像是悲伤，像是喜悦，像是怜悯，一种说不出的节奏感就在你正视她的面容时敲击你的神经，弄得你悲喜交加，恍恍忽忽。这样的表情，后又得见于拉菲尔著名的圣母脸上，也出现在那幅著名的蒙那丽莎中狠狠的震慑了近500年人类的神经。
关于这副画，比较有意思的是冈布里奇从哲学和道德的角度对这副画提出这样的解释解释：“这是一个隐寓，体现了新普拉图主义的理性和感性的冲突，即表达了人类用理性和纯洁来战胜原生的感性本能，人头马神—半人身一半马身就是人的这种双重性的载体和化身。”另外，这副画的名字也颇有争议，帕拉德也就是雅典娜，由于荷马史诗中常称“带伊吉斯的雅典娜”而后世的文艺作品中往往以盾牌最为雅典娜的标志，然而这副画中女神却没有这一重要标志。

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绿色之神

每当夜幕低垂，
你便露出清泉的妩媚。
你的身体恰似一条小溪，
缓缓而下，
平静地撞击着两岸的堤围。
你行色匆匆，
没有片刻停息。
追随着你的脚步，
小草破土萌生，
大树拔地而起。
你微笑着像在翩翩起舞，
你熟谙神明们使用的旋律，
用同样的节奏抖动着身躯，
行进的同时，
身上的树叶纷纷落地。
沿着自己的通途一直前进，
因为你是一位过路之神。
对周围的一切毫不经意。
沉迷于一支短笛
吹奏出来的乐曲。